L'Art en Vignes
Qui sont ces artistes qui vont vous régaler pendant deux jours ?
D'univers artistiques très différents, ils représentent la diversité et la richesse de l'art.
Ensemble, ils vous proposent une exposition surprenante.
Sculpture, dessin, peinture, photographie, gravure, installation, land art.... Terre, métal, bois, huile, pierre, bronze... Couleurs et matières, reflets et ombres, inspirations nouvelles... Street art, figuratif, nature-morte, abstrait, symbolique, expérimental... Statique ou en mouvement... Silencieuse ou sonore... les 1500 œuvres d'art installées en pleine nature vous invitent à la découverte et à l'émotion.
Caroline Barbant-Robert
Hydrographisme
Hydrographiste, née à Paris et installée dans le Luberon depuis 1982, Caroline est une femme a plusieurs facettes qui a su écouter sa petite voix intérieure.
Bercée par son âme de poète elle s’est tout naturellement tournée vers une expression picturale ou mouvement et couleurs sont le mettre mot de son art.
Fascinée par la technique japonaise du XIIe siècle qui consiste à créer des cercles d’encre de Chine imbriqués à la surface de l’eau, Caroline a développé une approche personnelle tout en couleurs.
En déposant des pigments et en exploitant leur dissolution, elle laisse libre cours à son inspiration, guidant son pinceau à la surface de l’eau dans des mouvements fluides, oscillants et vibratoires.
Faisant corps avec l’eau, elle donne vie à des paysages intérieurs, où les couleurs se mêlent et se transforment, à l’image de nos émotions.
Lorsqu’elle estime que l’effet escompté émerge, elle la capture sur papier, figeant ainsi l’instant éphémère.
Elle a baptisé cette technique « Ondulation éphémère » qui invite à saisir l’évanescence de l’instant, là où rien n’est figé, où tout est en mouvement, comme dans l’Univers dans lequel nous vivons.
La fluidité de l’eau, s’inscrit dans chaque tableau et convie le spectateur à effectuer un voyage au cœur de soi et à s’abandonner au flot de ses émotions.
Chaque tableau est une œuvre unique, fruit d’une rencontre entre l’artiste et l’eau.
Caroline Barbant-Robert
Corinne Baty
Sculpture
Née en 1961, Corinne vit et travaille dans le sud de la France.
Sculpteure autodidacte, l’appel de la terre s’est souvent fait entendre lors de son parcours de vie.
Quand le moment est venu, il s’est fait évidence, pressant, un impératif essentiel et vital. Elle puise dans la varieté de l’humanite, sa sensibilite, pour modeler ses personnages dans cette matiere qu’est l’argile, multiple, vivante et étonnante.
L’essence de son travail est l’humain, l’émotion, la spontanéité et l’instinct, dans toutes ses imperfections. Elle étire son regard au-delà de l’esthétique et ses personnages prennent forme ; c’est la tribu des humbles, la tribu des riches en coeur. Ceux-là, ils nous ressemblent en somme.
Laurent Beaumont
Sculpture
" Par la couleur,
la forme et la lumière se révèlent.
Alors la pierre s'anime
comme si mon geste de sculpteur ne m'appartenait plus. "
Art polymorphe
Depuis toujours toutes mes démarches se sont construites autour du dessin, de la création plastique à partir d'objets de récupération et du détournement poétique.
De la bande dessinée en passant par le cinéma, la poésie, le film d’animation, le théâtre, le mail'art, les arts de la rue ou les arts numériques, tout m'intéresse et me nourrit, le dessin restant mon fil rouge.
Peinture
Artiste plasticienne, peintre, vit et travaille en Provence.
Intervenante en arts plastiques, fait partie d'une compagnie de théâtre.
Elle réalise des peintures à l’huile sur toile et des collages (techniques mixtes) sur différents supports.
Ses peintures nous entraînent dans ses rêves et génèrent des émotions où chacun peut plonger.
Dans ses collages, elle réutilise du papier imprimé en détournant, voire en annulant le sens de l’image pour créer une autre vision, une histoire qui engendre une interrogation sur soi-même et le monde.
Hugues Bertin
Sculpture
Fasciné par les lieux à l’abandon, Hugues explore et photographie de nombreuses serres à l’abandon dans le Var.
Devant la beauté des verres et avant qu’ils ne disparaissent à jamais, il décide de récupérer ces matériaux chargés d’histoire et imprime ses photographies directement dessus. Pour restituer l’ambiance d’où est issu le verre, il réalise ses propres cadres en acier qu’il laisse volontairement rouiller.
Ses œuvres se fondent sur les traces du passage de l’homme qui s’estompent au fil du temps : l’abandon, l’oubli et les matières qui se décomposent face aux éléments naturels. Le tout dans une ambiance qui lui est indispensable : « l’univers marin ».
Ses créations sont uniques, elles naissent de ces matériaux au destin compromis, de la matérialisation de son imagination, de son obstination et de la patience nécessaire afin de transformer une idée simple en une identité artistique aboutie.
Ses œuvres photographiques et artistiques sont le fruit de ses inspirations familiales et humaines, enlacées par la matière, gravées dans la texture, renforcées par l’acier et colorées par la vie.
Photographie
Dogan Boztas est né à Varto (Kurdistan). Il pratique la photographie depuis l’âge de 20 ans. Ses premiers clichés argentiques portent sur les scènes de vie du peuple kurde et les paysages de sa région du Sud-Est de la Turquie.
Réfugié politique à Marseille depuis 2012, il travaille désormais en numérique et pratique également la vidéo (réalisation et montage). Depuis 2017, il est également fondateur et président de l’association SimeZu pour le soutien aux artistes émergents, et participe à la programmation de divers évènements culturels sur Marseille et sa région (outre ses propres expositions) : concerts, ciné-club, conférences.
Alexandre Breuil
Encre de Chine
Il y a sept ans, Alexandre prend une plume et de l’encre de Chine. En dessinant des arbres, il décrit les relations humaines, sans jugement et avec bienveillance. Il fait sa première exposition en 2019 au théâtre du Rond-point à Paris.
Depuis 2013, il suit le court de calligraphie japonaise d’Alessandra Laneve diplômée de Nihon Shuji (shodo et sumi-e, Kampo School of Calligraphy au Japon) à l’Atelier du Tanuki à Paris.
Alexandre intègre de plus en plus à son travail à la plume le trait du pinceau.
Depuis 2021 Il vit et travaille entre la région parisienne et le nord du Cantal, où il y a fondé l’atelier-galerie Du vent dans les branches à Murat avec d’autres artistes et a intégré le collectif de La Fabrik d’Aurillac en 2022.
Wilfrid Bricourt
Sculpture
Artiste français, autodidacte, je suis spécialisé dans la manipulation des fils d’acier. Je tresse des fils de fer torturés trouvés dans la nature, symbole de reliance entre la nature et l'homme. Une fois adouci dans mes mains, de ces fils d'acier naissent des personnages, des animaux, des végétaux... et reviennent dans notre quotidien.
Ma démarche artistique ?
Redonner vie à nos déchets, façonner du positif avec du négatif.
J’ai rencontré des hommes et des femmes meurtris après sinistres, des paysages pollués par des matériaux faisant surface après la pluie.
De ces fils d’acier enracinés dans le sol, je crée des sculptures en mouvement pour qu’elles puissent donner l’image de ces personnes, une image de vie blessée mais qui reprend, qui réinvestit notre monde.
Je tends une main à ces fils de fer torturés, ou peut-être ce sont eux qui viennent vers moi mais ensemble nous filons vers une nouvelle vie.
Thierry Castanier
Peinture
Thierry Castanier, né en 1958, ancien élève de l'école des beaux-arts d'Avignon, membre fondateur de LA BULLE DU PAPE fanzine avignonnais de bande dessinées des années 1980, il utilise aussi bien l'encre de chine que la peinture à l'huile pour imaginer un monde rêvé. Thierry expose régulièrement à Pernes les fontaines à la chapelle des pénitents blancs.
" La musique de la poésie accompagne mes tableaux qui sont des voyages dans l'imaginaire, joie des labyrinthes, vertiges des muses, influencé par les dédales de salvador Dali, les escaliers de Moebius, les échafaudages de Rimbaud et les
buissons sonores de Jean Louis Murat "
Emmanuel Cerda
Peinture
Dénués d’artifices, ces tableaux grand format en noir & blanc dont la technique s’efface, cherchent à questionner le spectateur sur l’avenir du monde animal et l’amener à une réflexion sur la vie de ces êtres fragilisés qui partagent avec l’être humain un seul et même habitat. Un parallèle saisissant dans l’œil de ces animaux qui nous fixent, sans possibilité de détourner le regard et nous confrontent avec force à leur existence en danger. Finalement dans leur yeux c’est le sien qui nous défie. On assiste donc à sa propre mise à nu qu’il projette au travers des espèces soigneusement choisi, et qui à la façon d’un enfant demande avec la plus pure intention « pourquoi sommes nous si cruel ? ».
Isabeau Chirat
Sculpture
Petite, il fallait faire « avec ce que l’on avait sur l’étagère ». Ma mère m’a appris à coudre et mon père à distinguer les métaux. Mon histoire part de là. Chercher à redonner vie à des objets abandonnés ou tailler une jolie petite robe dans un tissu désuet. Mon apprentissage s’est poursuivi avec une scénographe en théâtre avec laquelle nous pratiquions beaucoup le système D. Récupérer pour réinventer et trouver la genèse ou la conjugaison entre des éléments parfois extrêmes. Pour le fond et la forme, ma démarche est fondée sur ce chemin de vie.
Ce n’est pas le fil de fer même qui est le sujet de mon travail mais bien le vide qu’il révèle et organise. Jouer du plein et du vide, du précieux et du « sans valeur » et autres dichotomies, afin de trouver un équilibre entre chaque élément.
Ma deuxième source d’inspiration se trouve dans l’ombre portée, celle-ci faisant partie intégrante de mes sculptures murales. Elles symbolisent pour moi plusieurs choses, le fait que « sans l’un, l’autre n’existerait pas » (le bien et le mal…), mais également l’autre soi etc…
Le fond de mon travail se porte sur ces fusions, de l’inspiration à la réalisation, du choix des matériaux et de l’œuvre dans l’espace.Cette approche est identique pour toutes mes recherches, abstraites et figuratives. La nature m’inspire particulièrement pour ce qui est abstrait et du travail de différents artistes du début du XXe siècle (Klee, Le Corbusier, Miró…) pour ce qui est figuratif.
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Dessin
Femmes fatales, mégères excitées, piliers de comptoir, hommes désabusés, l’univers de Delphine Courtois foisonne de personnages forts en gueule, aux expressions exacerbées.
Armée d’une mine de plomb et de pinceaux, elle croque sans complaisance ses contemporains, s’attaque aux détails anodins du quotidien, n’hésite pas à grossir, déformer, étirer le trait. Le résultat n’est pas flatteur, mais toujours empreint d’humour, de tendresse et d’une poésie subtile.
Jaune nicotine, traits charbonneux, couleurs sépia, si l’originalité et la force d’évocation de son travail servent souvent d’autres talents (pochettes et livrets des albums d’Agnès Bihl, Padam, Miro, Monkomarok, affiches de pièces de théâtre, …), c’est, délivrée de toute contrainte, lors d’expositions personnelles, que s’épanouit pleinement son travail.
Talons aiguilles, bas résilles, cuisses larges, fortes poitrines, vieilles fripes, nœuds papillons, sourires d’enfants, clowns tristes, couples amoureux, couples aigris…
Cros2
Street Art
Cros2, artiste Marseillais, évolue depuis les années 2000 dans l’univers du graphisme et de l’illustration.
Très influencé depuis toujours par le graffiti, la musique et la culture Hip Hop en générale, ses illustrations voyagent entre des pochettes de disques, les traditionnels carnets, les toiles ou encore les fresques murales.
Sa quête d’une esthétique personnelle ne s’arrête jamais, multipliant les outils et les expériences picturales.
Une palette de couleurs vibrantes, contrastées et des formes tranchantes créent une émotion et un arrêt sur image dans un monde toujours en mouvement.Il travaille essentiellement d’après photo qu’il réalise lui-même ou emprunte à l’iconographie mythique de la culture urbaine. Il décompose ses sujets en multiples facettes qui se répondent souvent dans une dynamique puissante, suivant des règles de composition empruntées à la peinture classique.
Sa vision personnelle donne un caractère brut et incisif à son travail, mélangeant certains codes de la culture Hip Hop à une approche plus traditionnelle du dessin réaliste.
Sylvie de Lafuente
Peinture - Street Art
Je rêve et je peins, nourrie des histoires fabuleuses que me racontait mon grand-père mexicain si mystérieux, abreuvée des contes et légendes du monde, émerveillée par la richesse des rencontres lors de mes voyages aux quatre coins de la planète, charmée par la beauté du vivant qui nous entoure et nous accueille, je rêve.
Et après avoir rêvé, beaucoup rêvé, je crée en utopisant le monde. Mes œuvres sont pleines d’éléments naturels, feuilles, plumes, sable, pluie, de traces et d’empreintes du vivant, des mythes qui façonnent les cultures et les écrits et de ces histoires de mondes et de personnages invisibles et pourtant si présents.
Oui mes toiles racontent toutes une histoire et ceux qui regardent peuvent y entrer et se répéter inlassablement la leur.
Sculpture
Jane Deste se passionne dès son plus jeune âge pour la sculpture.
Elle ressent très vite le besoin de travailler la terre. Grès, argile, faïence lui deviennent familiers et sont pour elle le médium idéal pour s’exprimer. Dans un premier temps elle expérimente la taille de pierre, mais au final, privilégie le modelage qui lui laisse plus de liberté et correspond davantage à son mode de travail rapide et pulsionnel…. « Pétrir la masse, en arracher des fragments, façonner des personnages comme en gestation, marqués de fractures, de ruptures, de déchirures… ». Elle découvre le bonheur de pouvoir dire ce qui pour elle est essentiel……la profondeur de l’âme, la richesse de l’humain, sa force et sa beauté.
Certaines sculptures ont des ajouts de zinc dont la fluidité s’inscrit dans les méandres de la terre et renforce sa particularité. D’autres sont traduites en bronze et réalisées à la Fonderie Barthélémy Art à Crest dans la Drôme. Son travail très personnel lui a valu d’être choisie pour réaliser une œuvre pour la ville d’Aix-en-Provence en 2014.
Aquarelle
Dans un monde où les images défilent à toute vitesse, le travail de Josepha, aquarelliste, impose un temps d’arrêt. Cette artiste peint avec une douceur trompeuse des scènes qui bouleversent : paysages ravagés par la pollution, villes en guerre, injustice sociale... Sous l’élégance fluide de l’aquarelle, se cache un cri silencieux, une dénonciation profonde des dérives de notre époque.
Son travail artistique se distingue par une maîtrise classique de la technique. Josepha fait le pari de la subtilité : c’est par la douceur de l’aquarelle qu’elle accentue la gravité de ses sujets. Elle oppose la délicatesse du geste artistique à la brutalité des réalités qu’elle illustre.
Ses tableaux ne se contentent pas de représenter, ils interpellent. Ils obligent le regard à s’attarder, à ressentir. À travers eux, l’artiste questionne la responsabilité humaine face à la destruction de l’environnement, aux conflits armés, aux fractures sociales qui se creusent. Chaque œuvre devient ainsi un manifeste, une forme de résistance poétique.
L’artiste ne cherche pas la provocation, mais la conscience. Et c’est là toute la force de son art : il éveille, sans crier. Il trouble, il rappelle que la beauté peut être une arme douce mais puissante au service d’un message profondément engagé.
Christine Doucedame
Peinture
Christine grandit à Paris au milieu des palettes et des pinceaux de son père peintre sculpteur. Petite elle est fascinée par son atelier rue du Cherche-Midi et se passionne pour l'art.
Après une formation en Arts Appliqués elle exerce le métier de graphiste pendant une dizaine d'années puis D.A. chez LMG agence de publicité.
En 1986 un tournant s'opère dans sa vie : elle décide de se concentrer pleinement à sa famille et à sa passion pour la peinture. Elle quitte l'agitation de Paris et son univers professionnel pour s'installer en Provence. Elle se forme aux techniques artistiques et suit des cours du soir aux beaux-arts.
Depuis toujours, les scènes de vie quotidienne la fascinent. Christine peint des instants de vie, de joyeuses saynètes qui se déroulent dans les lieux publics. Dans ses œuvres, bistrots, plages et piscines sont peuplés de personnages guillerets et complices. Elle aime le contact humain et représente les conversations et les rencontres dont elle est spectatrice.
L'artiste dessine dans son carnet de croquis puis transpose ses esquisses sur ses toiles. Cette technique lui permet de ne garder que l'essentiel.
Christine réalise l'arrière plan en utilisant des tons chauds et un style abstrait. Elle se sert du fond pour faire chanter les couleurs et simplifie ensuite ses personnages jusqu'à la caricature. Elle aime laisser ses protagonistes évoluer librement au milieu de décors mystérieux.
Puis vient une étape d’effacement sorte de palimpseste pour retirer le « trop dit » donnant plus d’importance à l’histoire racontée.
EatBox
Peinture - Dessin
On me demande souvent combien de temps je mets pour faire un dessin.. Je peux dire une semaine ou plusieurs mois. En bon dessinateur, le bras d'Eatbox se complète d'un stylo. Lorsqu'il se met à créer, il dessine jusqu'à ce que l'entièreté du cadre qu'il délimite soit recouvert de ses traits. Très consciencieux, il œuvre avec minutie et précision. Ses traits sont nets, droits et fins, EatBox ne laisse pas place au hasard ou à l'erreur. Fortement influencé par l'univers du street art, il s'en inspire pour donner naissance à des accumulations de formes, de "graffiti", de références à cette street artculture.
EatBox use d'un panel impressionnant de couleurs pour réaliser ses dessins. Produisant sous une impulsion créatrice, il laisse au spectateur le libre choix de faire sa propre interprétation.
Pascale Fauré
Sculpture
Livres oubliés, abandonnés… Ils sont devenus son terrain de création privilégié.
Attirée par des techniques d’exploration mêlant intégration d’objets du quotidien et détournement des supports traditionnels, Pascale s’est peu à peu orientée vers une approche artistique libre, intuitive, où l’œuvre devient plus accessible, plus proche. C’est dans cette dynamique qu’elle a trouvé le goût de l’expérimentation, et surtout, une grande liberté de création.
Le livre s’est imposé comme son support de prédilection
Qu’il s’agisse de magazines retravaillés page après page, de catalogues entièrement reconvertis ou, plus récemment, de livres anciens, sa démarche vise à offrir une nouvelle vie à ces objets porteurs de récits. Des trésors oubliés qui, à travers ses interventions, s’ouvrent à une autre dimension narrative — non plus seulement par le texte, mais par la matière, la forme, l’empreinte.
Chaque livre « perdu » est abordé comme un espace de renaissance : un retour aux sources où l’objet retrouve ses lettres de noblesse, non plus dans l’écrit, mais dans un langage plastique, sensible et tactile.La dimension archéologique, le travail de la matière, de la trace, de l’empreinte, sont les fondements de son processus créatif. À travers eux, elle interroge la mémoire, le passage du temps, et la transformation silencieuse des choses.
Thierry Gall
Sculpture
« Comment ça t’a pris ? » C’est souvent la question qu’on lui pose. Animateur de métier, rien ne laissait présager qu’un jour — en 2008 — il se mettrait à assembler, souder, meuler… pour créer.
Son père, chef de culture dans une exploitation agricole, lui a transmis dès l’enfance un univers fait de rouille, de métal et de machines. Un décor familier, profondément ancré.
Peut-être qu’un lien s’est tissé là, silencieusement.
Depuis, récupérer, créer, détourner est devenu son terrain de jeu. Au fil des années, il a accumulé des bouts de ferraille, des morceaux de machines, de vieux outils — toute une matière brute que des amis ou des inconnus lui offrent avec un sourire et un : « Ça peut servir… »
Sa démarche artistique repose sur deux axes : le détournement d’objets pour les mettre en lumière, et la réalisation de sculptures réalistes, où il accorde une attention particulière aux proportions,
au regard, à l’attitude. Il aime se laisser surprendre par ce morceau de métal qui s’ajuste parfaitement, presque comme s’il avait toujours été destiné à cette place. Ce bout d’outil ou ce roulement à bille qui, soudain, donne vie au regard d’un insecte ou d’un gorille.
Installé à Cabrières d’Aigues, au pied du Luberon, dans le Vaucluse, il y a créé un univers singulier, fait de bric, de broc… et de poésie métallique.
Bienvenue dans son cosmos…
Peinture
Née à Erevan, en Arménie, Tatev vit à Aix-en-Provence depuis 2016. Depuis son plus jeune âge, sa vie gravite autour de l’art.
Elle a d’abord exploré la musique, avant de s’orienter vers la peinture. Bien qu’elle n’ait pas suivi de formation en arts visuels, ses études en musique et en éducation ont profondément nourri son expression artistique, influençant sa vision et sa pratique de l’art.
Ce qui compte avant tout pour elle, c’est la création.
Depuis ses débuts, elle prend un véritable plaisir à peindre des personnages issus de son imaginaire. Ses œuvres tissent des liens entre rêves lyriques et réalité, là où les couleurs et les formes donnent naissance à un univers singulier.
Elle travaille à l’instinct, dans une approche intuitive et improvisée, expérimentant sans cesse de nouvelles techniques – gouache, huile, pastel, acrylique. Son style évolue avec le temps, toujours en mouvement, fidèle à sa volonté d’exprimer son langage artistique de multiples façons.
L’imagination tient une place essentielle dans sa vie, et constitue le socle profond de son art. Dans son monde intérieur, les humains peuvent devenir arbres, ou grands chats, et ces chats, à leur tour, se métamorphosent en femmes libres, marchant sur les toits.
Chaque œuvre est pensée comme une pièce unique. Pour elle, la valeur d’une création réside dans son originalité, dans la recherche qui l’accompagne, et dans son authenticité. Elle peint avec le cœur, guidée par l’intuition – et c’est ainsi, de cœur à cœur, que sa peinture touche ceux qui la regardent.
Une fois achevés, ses personnages prennent leur envol, vivant leur propre vie au-delà de la toile. En arménien, « Tatev » signifie « celle qui donne des ailes » – et elle reste fidèle à ce prénom en insufflant à ses êtres rêveurs la liberté de voler.
Corine Glaich
Sculpture - Installation
" Sculpter la lumière, le vide, l’air …
A mes yeux, ce sont des matières au même titre que la pierre, le métal ou le bois.
J’aime les inviter au cœur de mon travail, sentir leur présence, tenter de les apprivoiser.
Lorsque je taille dans la masse, je recherche la pureté de la ligne mais surtout, c’est un dialogue avec la lumière.
Lorsque je compose une œuvre, je sculpte une multitude de pièces et je joue avec le vide qui les sépare et les unit. Lorsqu’enfin un souffle d’air s’invite, le mouvement apparait. Naissent ainsi, à partir de matières lourdes et denses, une certaine évanescence et un étonnant sentiment de légèreté. "
Corine Glaich
Dinah Goldstein
Sculpture
Ma formation première est le théâtre et dans ma vie d’avant, j’ai donc été comédienne.
Le théâtre m’a donné un corps. Un dedans/dehors.
J'en ai gardé le goût pour la posture et le mouvement, dès lors qu'ils disent l'émotion, l'état qui les habite.
Mais rien ne m'a davantage construite et structurée que la pratique de la sculpture, découverte en autodidacte en 2000.
Je m'en suis fait mon chemin d'incarnation.
La terre est mon ancrage, mon lieu d'équilibre. J'aime cet aller/retour entre ma « terre intérieure » et la terre externe que je modèle entre mes mains, le chemin que va prendre une émotion jusqu'à trouver la forme pour se dire.
Le désir, celui de l'élan créateur, chaque fois renouvelé, l’excitation de la mise en œuvre, tout cela est pour moi une grande source de joie.
Qui ressemble à une histoire d'amour...
Peinture
Thibaud Salman, dit Hq, est un artiste franco-iraquien, né et travaillant à Aix-en Provence. Peintre et dessinateur autodidacte, il débute une activité artistique alors qu’il est encore étudiant à l’université. Depuis sept ans, il se voue à cette entreprise et élabore une production diverse et variée, oscillant entre une peinture abstraite et des dessins plus figuratifs. La spontanéité réside au centre de son activité et processus créatifs. Ses toiles et dessins sont réalisés sans qu’aucun croquis ou brouillon n’ai été conçu au préalable. Instinctives, automatiques, méditatives, presqu’inconscientes, les méthodes de création de Hq permettent l’élaboration d’un OEuvre accessible, ancré dans l’imaginaire de l’artiste, et s’adressant à un large public constitué d’amateurs, de connaisseurs et de curieux.
Au fil de nombreuses années de pratique, Hq élabore un style minutieux et une esthétique qui lui sont propres. Dans ses dessins réalisés au marqueur, au stylo, au pastel gras, il met en image des personnages fantasques, résultats d’une mystique singulière et personnelle. Personnifications et incarnations d’un caractère, d’un sentiment ou d’une sensation, ces personnages réalisés dans un style naïf, quasi enfantin, sont régulièrement présents dans les petits et moyens formats de l’artiste (Vanité, 2022 / Mr Void, 2023 / En esprit, 2023). Avec ses grands formats, réalisés sur toile, l’artiste rend possible l’accès à un monde onirique constitué de formes géométriques et insolites, de tons vifs ou de teintes ocrés (Phoenix, 2023 / Drowned mosquito, 2023 / Vibration, 2023 / Dune, 2022). L’omniprésence des couleurs primaires rend, une fois de plus, compte du caractère instinctif de son travail (Space Abstraction 8, 2022 / Emerald, 2021).
Avec ses tableaux non figuratifs et abstraits, le public est tout à fait libre d’interprétation et peut laisser vaguer son esprit là où ce dernier décidera de le mener. Face à ses dessins plus figuratifs et animés, il est livré à une lecture plus étroite mais sans pour autant être déterminée ou arrêtée. L’artiste a participé à de nombreux événements artistiques et culturelles, notamment au sein des villes d’Aix-en-Provence, de Marseille, de Lyon, de Rio de Janeiro. En galerie, lors d’expositions collectives ou personnelles, dans des tiers lieux, ou encore dans des espaces publics ou pour des particuliers, Hq met ses oeuvres au service d’un public hétérogène.
Marthe Fossey, historienne de l’art contemporain
Peinture
Originaire du Nord de l'Allemagne, j'ai quitté la mer Baltique en 2004 pour m’installer dans le Sud de la France. Un changement de pays et de vie, une ouverture d'horizons, un développement personnel et artistique qui m'ont mené vers la peinture à l'huile.
Plus qu’une forme d’expression, la peinture est libératrice d’idées et d’émotions et j'y laisse la place à une part de hasard voulue. Une fois les couleurs posées, des petits détails viennent s’ajouter, en peinture ou en texture, appliqués avec précision mais évoluant tout au long du processus de création de mes tableaux.
La lumière du Nord si particulière, gravée dans ma mémoire, se mélange aux couleurs plus chaudes et vives du Sud. Le mouvement et la lumière observés dans la nature sont la principale source d’inspiration pour mes créations sur matériaux divers, papier-toile-carton-bois.
Prisca Laperrière
Peinture
Les peintures de Prisca Laperrière se construisent en écho, en résonance.
Un point de départ : une tâche, une couleur, une silhouette...
Un temps de réflexion...
Et c'est une véritable partie de ping-pong qui commence entre la toile et l'artiste.
Le corps se perd dans l'abstraction et se fond dans la matière des couleurs, c'est alors que le dialogue s'installe entre la toile et le spectateur.
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Damien Laurent
Sculpture cinétique
Né en 1986 dans les Ardennes, Damien grandit dans le bassin industriel de la vallée de la Semoy.
Baigné dans la culture métallurgique depuis son plus jeune âge, il décide en 2020, après avoir découvert l’art cinétique, de se lancer dans la réalisation de rolling ball sculpture.
Ces machines à billes qui s’enchevêtrent de pistes allie l’art et la technicité pour former des circuits hypnotiques Infinis.
Ses premiers prototypes sont faits uniquement d’acier.
Désormais ses œuvres sont réalisées entièrement en inox, un matériau beaucoup plus noble et durable.
Audrey Le Moustarder
Peinture
Audrey Le Moustarder, alias ALM, est une artiste plasticienne française diplômée en graphisme. En 2017, elle remporte le Prix de Peinture du Var au Château du Castellet. Son art s’inspire de ses voyages et de sa Provence natale.
Les œuvres d’ALM sont le fruit de sa capacité à visualiser en couleurs ses émotions, profondément ancrées dans les sons, les rencontres, les lieux, les ambiances, les mots et les lumières des lieux qu’elle découvre.
ALM utilise différentes techniques et matériaux de peinture, tels que la peinture acrylique, l’encre de Chine et les pigments naturels.
Au cours de sa vie, Audrey Le Moustarder a eu l’occasion de parcourir le monde avec son art, notamment à Monaco, en France, au Royaume-Uni, en Afrique et en Italie, où elle a exposé.
Patrick Lesné
Peinture
Je me suis lancé dans la peinture à l’huile au couteau, avec quelques essais à l’acrylique, fin 2010, retraite oblige. Je suis donc un tout jeune peintre.
Je réalise chaque tableau rapidement, sans idée à priori donc sans tracé préalable sur la toile. Je commence par choisir un format et quelques couleurs en fonction de l’humeur du moment. Ensuite se laisser aller, ne pas réfléchir. Lorsque je le pense terminé, je l’observe quelques jours et je peux alors y ajouter quelques touches ou l’envoyer à la « poubelle ».
Je n'ai pas fini de m'interroger sur tous ces morceaux de ville que ma peinture me fait lâcher sur la toile: mondes disparus ?
Villes dévastées des temps présents ? Vision apocalyptique du futur ? Je n'ai pas de réponse, mais en faut-il une ?
Et d'ailleurs, dans mes tableaux, il n'y a pas que des villes...
Isabelle Litschig
Sculpture - peinture
L'énergie caractérise son travail depuis 40 ans. Son univers entre figuration et abstraction aborde avec autant d'aisance différents thèmes comme le corps, le portrait, l'animal, le paysage.
Une peinture spontanée comme un élan de vie, désirant relier la matière à l'esprit.
Isabelle participe à de nombreuses exposition en France et à l'international (Art basel à Miami).
Olivier Mas
Peinture
" La représentation contemporaine de la femme est au centre de mon travail consistant à transposer en peinture des photographies de mannequins ou d’actrices tirées de magazines de mode.
Le passage du papier glacé à la peinture avec des fonds abstraits ou géométriques dans lesquels le sujet fusionne, une nouvelle gamme chromatique, un nouveau cadrage asymétrique, permettent de gommer tout réalisme, de créer un décalage et de renforcer le coté ˝objet˝ de ces modèles pour les transformer en icônes.
Femmes-puzzles, sensuelles et lointaines, madones modernes issues de supports à l’espace délimité et associés à la frivolité, la fugacité, l’immédiateté, elles deviennent, par l’alchimie de l’acrylique, intemporelles, sans référence spatiale.
Le mélange de couleurs chaudes et froides, complémentaires, tels que le bleu et l’orangé, les harmonies et contrastes composent un univers d’équilibre et de déséquilibre animé par des rayures, des mosaïques, des lignes de fuite dynamiques.
Le corps, sous l’expérience conceptuelle, est en proie à une construction-déconstruction. Ondoyant, longiligne, fluide, il s’offre au regard mais reste à distance, évanescent, tout comme ces visages coupés qui renvoient au mystère. "
Manon Moret
Performance & photographie
Le projet ‘’Mes Mots’’ allie performance, écriture et photographie et joue avec la réalité matérielle et la réalité psychique en juxtaposant des mots sur différents supports, notamment des corps humains. Pour ce dernier exercice, chaque photo est le fruit d’une rencontre obligeant le modèle et l’artiste à cohabiter pendant plusieurs jours avec le même objectif.
C’est un travail d’introspection traitant du rapport entre le corps et le mot qui tend à s’approcher au plus près d’une
certaine vérité en faisant apparaître toute la pensée qui gravite autour de lui. Il s’agit également d’un exutoire spirituel qui oblige à faire une pause, à s’isoler, se retrouver et déverser toutes les pensées qui encombrent l’esprit.
Collage
Nelly est une artiste de collage, utilisant des documents anciens, de la Belle Époque aux années soixante, pour créer des œuvres poétiques et intemporelles. Chaque composition devient un voyage à travers les archives du passé, explorant l’illustration du semi-figuratif à l’abstrait, tout en évitant le surréalisme. Son objectif est de collaborer avec les artistes d’autrefois, en intégrant leurs créations dans ses œuvres afin de nourrir notre époque d’une touche de mémoire, sans tomber dans la nostalgie.
Son travail, à la fois précis et sensible, reflète pleinement cette vision artistique. Elle souhaite que ses créations enveloppent le spectateur comme un doux velours, apportant légèreté et apaisement. Chaque pièce devient une invitation à un voyage
intemporel, où passé et présent se rencontrent harmonieusement. À travers ses œuvres, elle espère offrir des moments de
douceur et de contemplation, éveillant les sens avec délicatesse et poésie.
Dessin
Mon travail porte essentiellement sur l'accumulation de formes, personnages et couleurs, moyens utilisés pour mettre en exergue de jeunes contestations sociétales autour de thèmes comme le pouvoir ou encore des pressions de la foule, de la coercition.
Mes dessins empruntent à la bande-dessinée ainsi qu'à la culture populaire en général pour exposer mon imaginaire dans une approche aux frontières de l'art naïf et de l'art brut.
Je suis inspiré entre autre par des artistes comme Moebius, Kandinsky, Rodtchenko, Winsor McCay, Doze Green, Max Ernst, Hokusai
« Quand j'aurai cent dix ans, je tracerai une ligne et ce sera la vie » Katsushika Hokusai
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Peinture
Étant né au sein d’une famille d’encadreurs, Patrice Tabouret découvre très tôt le monde de l’art, où il rencontre des peintres et des sculpteurs de la région de Provence et de la France entière.
Il découvre alors son talent et commence à flirter avec celle qui deviendra plus tard sa seule et unique passion : la peinture.
L’abstraction est donc un choix nécessaire pour transmettre ce qu’il ressent par la méditation, et tout simplement parce qu’on ne peut pas voir ni toucher les émotions et les sensations, celles-ci sont difficiles à exprimer par l’art figuratif, c’est donc par le biais de ses peintures que Patrick Tabouret nous fait sentir la fraicheur des vagues, la gaité et la chaleur du soleil, la force du vent, le mystère de la jungle mais surtout le besoin urgent de la protéger.
Peinture - Sculpture
Angelo Pierlo est né à Aix-en-Provence en août 1980. Il consacre la majeure partie de son temps à dessiner dès l'âge de six ans. Son père était danseur et peintre. Il vit l'essentiel de son enfance dans la maison de son grand-père, qui collectionnait les peintres marseillais. Angelo dessine des oiseaux et des animaux. Il signe ses premières huiles sur toile à l'âge de 13 ans. Ses premières expositions auront lieu en 1996 entre Aix en Provence et Paris, puis Cannes, Monaco et Nice. Il vit et travaille à Paris de 1997 à 2006. Il vit ensuite à Berlin et commence à travailler régulièrement à Vienne à partir de 2007. Angelo Pierlo rédige un manifeste sur le mouvement "philosophisme", et est ensuite rencontré par Laurent Godard, Jean- Marc Musial, Fleur Matinat, Harry Gaabor. Une de ses toiles est vendue au Palais du Dorotheum à Vienne en 2010. En novembre 2013, il fête ses vingt ans de carrière entouré d'un grand nombre de ses collectionneurs et partenaires aux Chaudronneries de Montreuil (Paris), où il présente son projet Opus Philosophia pour la première fois en France. Ce projet rassemble 300 peintures de 2 mètres de haut et 1 mètre de large chacune, et retrace l'histoire de l'humanité. Angelo Pierlo travaille également du mobilier d'intérieur, des peintures murales privées ou publiques et réalise de nombreuses performances publiques. Vous pouvez aujourd'hui retrouver sa collection de peintures en France, en Italie, en Autriche, aux Etats-Unis, en Angleterre, en Italie, en Corse, au Japon et en Belgique. Jusqu'en 2015, Angelo taille des pierres en stéatite grise ou marmer et travaille des sculptures en argile.
Pouchin
Dessin
Bernard Pouchin peint et dessine le corps pour tenter d’en dépasser l’image physique. Ultime quête d’un artiste qui contourne l’obstacle technique par l’association des matières. Encre, stylo, couleurs acryliques et crayons aquarellables
forment le lit dont émergent des corps modelés au rythme de ses doigts pinceaux. La main, entre l’esprit et l’œuvre en devenir, demeure l’outil fondamental de sa création. Il donne toute latitude à son imaginaire, libre cours aux pensées et aux gestes, impulsifs et expansifs, sans retenue ni mesure. Comme s’il était façonné de terre, sorti de la boue, le corps s’érige à partir de la main, mais sur le papier.
Lucas Prothery
Dessin
Plongé dans l’art dès l’enfance, ayant une mère et une grand-mère peintres, j’ai commencé à créer à l’âge de 4 ans. À 18 ans je découvre mon procédé de création. Depuis mes 21 ans j’essaie d’y percer le mystère de ma méthode en parlant de cela le plus justement possible.
Dans ma démarche, je dessine grace à un automatisme psychique mélangé à une solution mathématique. Elle aussi est spontanée, cet ensemble rejoint un instinct primitif et intuitif. Dans cette solution ce qui m’intéresse et m’interpelle le plus, c’est la relation des formes entre elles, leur cohésion, et corrélation, et leur dévouement au vouloir devenir. Mes formes sont à priori non figuratives, et proposent une libre interprétation. J’aime l’idée de créer cette profusion d’inattendus qui a tendance à nous mener à cette inconnue. C’est cette partie hypnotique vibratoire qui est nécessaire à un réel voyage vers la connectivité qui nous unit tous ! J’essaie de donner sens par le trait à un milieu entre le monde matériel et spirituel, à comprendre ce qui se situe au-delà de notre monde, mais qui n’y est pas étranger.
Dans ce procédé de création j’essaie de faire une réminiscence de mon être et traduire de manière spontané de pures «idées» dans un monde intelligible, de manière métaphysique. Je cherche à transgresser notre vision matérielle, pour y faire émerger une finalité encore méconnue, qui amène à voir la réalité de manière plus sacrée. Une croyance profonde s’exerce, pour y retrouver un fonctionnement naturel évolutif, à partir de ces formes. J’ai pour finalité de transcender dans mes courbes des fréquences harmonieuses relatives à la nature.
Autrement dit, je tends vers un mécanisme fondamental universel.Il est cependant compliqué d’exprimer réellement ce qui se passe lorsque je crée. Tout ceci n’est que la première étape de ma démarche.
Inspiré par le mouvement dada, surréaliste et abstrait. Ainsi que par la nature en général, animal, végétal, et par le monde spirituel, philosophique, et scientifique, de l’infiniment petit à l’infiniment grand, la géométrie sacrée, le nombre d’or, la Suite de Fibonacci, etc...
J’aime particulièrement Kandinsky, André Breton, André Masson, Yves Tanguy, Max Ernst, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Léonard de Vinci, les poèmes de François Cheng, et j’en passe...
Antoine Robur
Dessin digital
Depuis 2020, au cours de ses études aux Beaux-Arts de Metz, sa pratique artistique s’est construite dans un dialogue constant entre création personnelle et travail alimentaire. C’est lors de son expérience chez Basic Fit qu’elle initie Pain World, un projet poétique et critique né au cœur même du temple du paraître.
Ce projet, ancré dans ses interactions professionnelles, explore la manière dont la quête de performance et d’apparence modèle nos comportements et nos rapports sociaux. À travers une approche autofictionnelle, elle crée des images et des textes qui interrogent des environnements contemporains régis par des logiques de productivité et de compétition : salles de sport, galeries d’art, team buildings, vernissages dans des villes saturées de dynamiques capitalistes.
Dans ces espaces codifiés surgissent des chimères animales, figures sauvages, hybrides et symboliques. Elles incarnent des formes de résistance, de jeu ou de décalage, venant troubler et questionner le projet Pain World.
Elle mobilise aussi bien des outils traditionnels comme l’encre et la gouache que des médiums numériques, notamment le dessin digital, pour donner vie à une pluralité de formats : illustrations imprimées, éditions artistiques, et autres objets visuels.
Photographie
Artiste franco-portugaise, elle est née dans la région du Poitou-Charentes et vit à Aix-en-Provence depuis huit ans. Depuis son plus jeune âge, elle cultive une passion profonde pour la photographie, la vidéo et les grands espaces. À 12 ans, elle reçoit sa première caméra, puis à 15 ans un appareil hybride offert par son père, qui joue un rôle fondamental dans le développement de sa sensibilité à la capture de l’instant.
Les nombreux étés passés au Portugal et ses voyages en solitaire, appareil photo en main, ont affiné son regard et intensifié son attention au monde, aux paysages, aux gens — croisés, rencontrés, figés le temps d’une image.
La photographie est pour elle un espace de liberté, un prolongement de soi. Adepte du frisson esthétique, elle tente de faire ressentir dans ses photos ce que ses yeux perçoivent et ce que son corps vit. Elle aime à penser que son regard peut devenir celui des autres, les invitant à plonger un instant dans sa réalité, ou dans son imaginaire.
Son processus artistique se déroule en deux temps : la prise de vue, d’abord, puis le traitement numérique.
Dans un premier temps, elle travaille autour des espaces urbains et naturels et de leur interaction avec l’humain — foule ou solitude. Ses images deviennent des empreintes de l’humain, souvent évoqué par son absence dans des lieux créés par lui mais désertés, devenus silencieux.
Dans un second temps, elle utilise les outils numériques pour accentuer les émotions perçues lors de la prise de vue. Le traitement n’est jamais décoratif, mais au service du ressenti.
Son travail joue ainsi en permanence avec les tensions entre le naturel et l’artificiel, tant dans la démarche que dans la composition visuelle, offrant au spectateur une double lecture de sa sensibilité au monde.
Sa signature visuelle repose notamment sur l’usage singulier
de la saturation. Pour elle, ces couleurs intenses sont une manière d’exprimer la beauté du monde tel qu’elle le voit… ou tel qu’elle aimerait le voir.
Sculpture
Cuisinier de formation, depuis son plus jeune âge, Jean Sébastien Barbet dédie sa vie à l’amour des bonnes choses. Son expression artistique est animée par la recherche de l’harmonie, du travail des textures et des sens. La cuisine est son partage.
En 2021, les valeurs sont les mêmes. Porté par les siens, l’appel d’un nouvel horizon fait naître SJS SCULPTURE.
Dorénavant les créations traverseront l’épreuve du temps. Les outils ne sont plus les mêmes, ils s’apprivoisent et à mesure le champ des possibles s’agrandit.
Autodidacte au contact de cette nouvelle matière brute et authentique, le bois éveille sa créativité comme devant ses fourneaux. Il laisse la place à des œuvres uniques, chargées de recherche, de détails et d’émotions.
Suivez l’évolution de cette nouvelle aventure, qui à coup sûr, n’a pas dit son dernier mot.
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Sculpture
Une rose fanée : l’éphémère du temps qui passe…
L’attirance et la beauté d’une momie qui nous renvoie à la mort mais aussi au témoignage du vivant, du temps d’avant, du temps d’après.
Les circonvolutions des souvenirs.
Les témoignages de la matière, nature ou transformée.
Le temps passé simple, la trace...
L’imaginaire qui fixe un temps présent.
Le vagabondage des idées qui s’entremêlent.
L’expression irrationnelle empreinte aux mythes, à l’histoire, aux légendes, aux contes…pour ressurgir sous d’autres formes.
La mise à nue des émotions intérieures transcendée par la matière…
L’émergence d’un inconnu apprivoisé…
Le labyrinthe de l’esprit reste en partie inaccessible….
Depuis 1991, plusieurs séries de créations ont parcouru mon cheminement artistique.
Première série : les tableaux en semi volume
Sur fond de tissu, les personnages réalisés de modelage, tissus, ruban, perles… s’inspirent de l’histoire, légendes, contes, mythes, rêves…
Deuxième série : « Les tabl’os »
De petits os de lapin, de grenouille prennent une deuxième vie dans une
expression graphique délicate. Leur mise en place dessinent des personnages, animaux mis en scène dans des décors imaginaires.
Troisième série : « les mises en boîte »
Dans leur boîte, les personnages et animaux en volume, réalisés en tissu, perles, plumes... abordent les thèmes de la femme, l’eau, le vin, les insectes…..
Vilo
Dessin - Sculpture - Peinture
Vilo peut être considéré comme un artiste POP dans le sens ou il s'imprègne de tout ce qu'il se passe dans notre monde moderne, de la culture rock et de divers influences de la rue et de la jeunesse !
Mais ne soyons pas réducteurs car il est plasticien avant tout, un touche à tout qui aime expérimenter, chercher, innover et mixer !
Sa poésie le plonge dans des univers animalesques, des figures burlesques et absurdes de dandy chic ou parfois trash, insaisissable, inclassable... Il crée ses modes sans se soucier des courants contemporains du moment ! C'est ce que l'on pourrait appeler l'avant garde, en tout cas, un visionnaire...
Sculptures, dessins, peintures, graphiques, collages, la palette de ce créateur est riche comme le sont ses idées, ses rêves, ses projections éveillées, comme un enfant... pour lui, l'Art est un jeu fascinant et troublant de découvertes.
Vilo donne vie à son petit monde dans lequel rien n'est impossible !
Un grand merci a Anne Sophie pour son texte
Yani Bex
Peinture - Dessin
Yani Bex s’appuie sur le dessin, fondement de son métier d’architecte.
C’est dans sa pratique artistique qu’il retrouve une liberté expressive.
Il conjugue tracés et couleurs, et, grâce à l’abstraction graphique, explore la richesse de la paréidolie. Tantôt onirique, tantôt psychédélique, le résultat reste libre d’interprétation, variant au gré des émotions de l’observateur.
Sa recherche artistique est avant tout un processus créatif évolutif, par lequel l’artiste fait apparaître des formes qui se définissent progressivement, au fil des passages de sa main.
Yva P.N.
Peinture
Les éléments naturels sont pour Yva un prétexte à la poésie. Elle aime jouer avec les formes, les couleurs, parfois le
dynamisme du vent ou de l’eau, pour faire naître une émotion visuelle.
Lorsque surgit un élément structurel, il devient le terrain d’un nouveau jeu : celui de la couleur, de la dématérialisation de la forme, ouvrant la voie à un basculement vers le monde du rêve.
